Marilù Giannantonio: Visioni Psichedeliche e Colori in Movimento

- 12 Settembre 2025

L’arte di Marilù Giannantonio è un viaggio nell’immaginazione, un percorso in cui il colore diventa strumento di esplorazione interiore e la tela si trasforma in uno spazio dove forme e suggestioni si rincorrono senza mai stancare l’occhio. La sua carriera nasce presto, ai tempi della scuola media, quando le fu consigliato di frequentare il liceo artistico, scelta che la porterà poi all’Accademia di Belle Arti di Roma, sezione scenografia. Giannantonio predilige la pittura ad olio, tecnica che definisce “più plasmabile e sfumata”, capace di dare vita a effetti di colore ricchi e avvolgenti. Tuttavia, non si limita a un solo mezzo: lavora anche a tempera, acrilico e perfino solo a matita, scegliendo di volta in volta il linguaggio più adatto all’opera. Per lei dipingere è un atto totalizzante, quasi fisico: “Quando dipingo sono in tensione, fino a quando non finisco il quadro non sto bene. Ci penso e mi concentro”. La sua pittura, come si vede nell’opera in visione, è un’esplosione di forme e cromie. Elementi sinuosi, quasi organici, si intrecciano a figure geometriche e spazi surreali, creando un effetto psichedelico e dinamico. I colori si collocano in contrasti vibranti, raccontando una realtà “moderna, fantastica ma anche solida”. La pop art è per lei il massimo dell’esperienza moderna, ma non disdegna il surrealismo, che considera una teoria sempre attuale. Giannantonio non lavora con bozzetti preliminari: parte direttamente dalla tela, abbozzando con la matita per poi lasciarsi guidare dal colore. Questa spontaneità le permette di esprimere la sua interiorità senza filtri, senza condizionamenti esterni: “Consiglio ai giovani che vogliono intraprendere questa carriera di lavorare da soli senza avere influenze di qualcuno o qualcosa, neanche storica”. La soddisfazione più grande, racconta, è stata partecipare a mostre e vedere le proprie opere pubblicate nei cataloghi accanto a quelle di altri artisti. Il rapporto con gallerie e collezionisti è per lei strettamente professionale, e i suoi progetti futuri restano fedeli a un’idea di espressione libera e personale: “Tra 5 o 10 anni mi vedo più matura ma probabilmente sempre uguale”. La musica è sua compagna inseparabile, fonte di ispirazione costante. E mentre un nuovo quadro attende di essere terminato, Giannantonio continua il suo percorso artistico con la stessa tensione creativa di sempre, alla ricerca di un dialogo con il pubblico, perché “mi interessa il giudizio del pubblico” dice, consapevole che la sua pittura vive davvero solo quando viene guardata, interpretata e amata.

LA NOSTRA INTERVISTA: Silviano Scardecchia – La fotografia come archivio di emozioni

- 1 Settembre 2025

Silviano Scardecchia La fotografia come archivio di emozioni Un incontro tra tecnica, poesia ed esperienza di vita C’è chi definisce la fotografia come il semplice fermo-immagine di un istante, e chi invece la considera una finestra sull’anima del tempo. Silviano Scardecchia appartiene senza dubbio a questa seconda categoria: maestro della luce, “fotografo anarchico e nudo”, come ama definirsi, capace di trasformare ogni scatto in memoria viva e palpabile. In occasione di un incontro curato da Luciano, la redazione di Artelogia.it ha avuto l’onore di consegnargli un premio speciale per il miglior reportage sulle emozioni. Un riconoscimento nato dall’impatto che le sue immagini hanno saputo suscitare: quel silenzio evocato, ad esempio, dal mare calmo all’alba, quando pochi passi sulla riva si confondono con l’eco del sole nascente. Le radici di un’emozione La conversazione si apre con un ricordo intenso: il padre di Scardecchia, prigioniero degli inglesi dopo l’armistizio di Badoglio, costretto a consegnare anche la sua macchina fotografica e i rullini che custodiva gelosamente. «Non fu solo la prigionia a ferirlo – racconta Silviano – ma la perdita di quelle fotografie, un archivio di emozioni che rappresentavano la sua vita». Da quell’episodio nasce la consapevolezza che una fotografia non è soltanto immagine: è tempo che si conserva, emozione che sopravvive. Tra chimica e libertà creativa Scardecchia si laurea in chimica organica, ma i suoi professori già lo percepivano come fotografo con l’hobby della chimica. In effetti, la curiosità scientifica diventa per lui un laboratorio di sperimentazione: notti trascorse a mescolare reagenti, a inventare processi di sviluppo alternativi, a giocare con la materia stessa della luce. «Eravamo alchimisti della fotografia – ricorda – e questo mi ha insegnato la libertà: partire da una tecnica per esplorare e deviare, senza schemi». Oggi, pur lavorando con il digitale, non rinuncia a questa dimensione materica. Le sue stampe prendono vita su carta 100% cotone Fabriano, dove la grana e la consistenza diventano parte integrante dell’opera, trasformando ogni immagine in un oggetto emozionale e unico. L’innesco: dal padre alle motociclette Se l’origine del suo percorso è legata al padre, un altro momento decisivo fu l’incidente in moto da ragazzo. Immobilizzato a letto, iniziò a leggere riviste di fotografia: parole come “diaframma”, “emulsione”, “ferrocianuro” diventarono linguaggio familiare. Da lì la passione per immortalare le motociclette in corsa, catturando la velocità in immagini cariche di energia. Un fotografo “anarchico e nudo” Alla domanda su come si definirebbe, Scardecchia risponde con un sorriso: «Un fotografo anarchico e nudo». Anarchico perché libero da regole predefinite, sempre alla ricerca di nuove vie, e nudo perché autentico, spoglio di sovrastrutture. Sua moglie, scherza, ancora non ha ben compreso cosa abbia fatto nella vita. Forse proprio lì risiede l’essenza: l’arte come percorso in continua trasformazione, mai chiuso in un’etichetta. Conclusione L’incontro con Silviano Scardecchia non è stata una semplice intervista, ma un viaggio nelle pieghe della memoria e della materia fotografica. Il pubblico lo ha ascoltato senza annoiarsi, affascinato dalle sue parole e dai suoi racconti, tra esperienze personali, riflessioni filosofiche e tecniche di laboratorio. In un’epoca dominata dall’istantaneità digitale, il suo approccio ci ricorda che una fotografia non è mai soltanto immagine: è vita impressa nella carta, è tempo che sopravvive, è emozione che ritorna.

Giancarlo Costanzo e il Futuro di PescarArt, giunta alla 22esima edizione.

- 20 Gennaio 2025

Il Ruolo di Giancarlo Costanzo nell’Arte Contemporanea Figura fondamentale nel panorama dell’arte contemporanea a Pescara, principalmente in qualità di Presidente dell’Associazione P.A.E. e fondatore del Premio PescarArt che si terrà dal 21/12/2024 al 29/12/2024 all’Aurum di Pescara. Questo premio non solo riconosce artisti di diverse estrazioni, ma funge anche da importante piattaforma per la celebrazione e la diffusione dell’arte contemporanea nella regione. Costanzo ha dedicato la sua vita a promuovere il talento di artisti sia emergenti che affermati, contribuendo così a creare un ambiente culturale dinamico nel quale l’arte possa prosperare. La creazione del Premio PescarArt ha rappresentato una svolta significativa per l’arte a Pescara. Grazie alla visione e alla determinazione di Costanzo, il premio è riuscito a guadagnarsi un ruolo di rilievo nel circuito artistico nazionale. Questo riconoscimento offre ai partecipanti non solo visibilità ma anche opportunità per interagire e collaborare con altri artisti e galleristi, facilitando la crescita e la diffusione delle loro opere. La selezione degli artisti e delle opere esposte in occasione del premio riflette un impegno costante verso l’eccellenza e l’innovazione nell’arte contemporanea. Oltre alla sua attività di promotore, Costanzo è anche un fervente sostenitore della formazione e della sensibilizzazione del pubblico nei confronti dell’arte. Attraverso eventi, mostre e iniziative educative, ha saputo coinvolgere la comunità locale, rendendo l’arte più accessibile e apprezzata non solo come prodotto commerciale, ma come parte integrante della cultura e dell’identità collettiva. Il suo impegno ha contribuito a posizionare Pescara come un centro culturale di rilevo nel panorama artistico italiano, portando riconoscimento anche a livello internazionale. Una Visione Inclusiva per PescarArt Giancarlo Costanzo, nel suo ruolo di promotore e organizzatore di PescarArt, ha delineato un futuro che pone un forte accento sull’inclusività. Nella sua visione, l’arte non è solo per pochi eletti, ma un bene comune da condividere con tutta la comunità. Per realizzare questa ambizione, Costanzo ha avviato diverse iniziative mirate a creare spazi di dialogo tra artisti e pubblico, promuovendo un interscambio proficuo e stimolante. Una delle principali strategie adottate è la creazione di eventi dedicati a diverse forme d’arte, che permettano la partecipazione di un vasto bacino di artisti locali e internazionali. Questo approccio non solo aumenta la diversità delle esposizioni, ma favorisce anche l’inclusione di stili e approcci artistici spesso trascurati. In questo modo, PescarArt intende diventare un luogo di incontro nel quale le voci di tutte le comunità possano essere ascoltate e celebrate. Inoltre, Costanzo ha enfatizzato l’importanza dell’accessibilità dell’arte. Di conseguenza, sono stati implementati programmi che mirano a garantire che eventi, mostre e installazioni siano fruibili da tutti, indipendentemente da abilità fisiche, background socio-economici o culturali. Questi programmi includono servizi di interpretariato, percorsi guidati per persone con disabilità , rendendo l’arte un’esperienza accessibile e arricchente per ogni individuo. Costanzo crede fermamente che l’arte debba riflettere la diversità della società in cui viviamo. Pertanto, PescarArt si sta impegnando ad ampliare il suo pubblico ed a coinvolgere attivamente le diverse comunità locali, cercando di abbattere le barriere che spesso limitano l’accesso all’arte e alla cultura. Attraverso queste iniziative, il futuro di PescarArt si prospetta non solo come un evento artistico, ma come un pilastro fondamentale per la coesione sociale e la connessione comunitaria. Sinergie e Collaborazioni nel Mondo dell’Arte Giancarlo Costanzo ha sempre creduto nel potere delle sinergie e delle collaborazioni nel mondo dell’arte. Il suo impegno nell’industria culturale si traduce in interazioni fruttuose con istituzioni culturali e accademiche, che svolgono un ruolo cruciale nel potenziamento di PescarArt. Collaborazioni con musei, gallerie e università hanno creato una rete di sostegno e scambio che promuove l’innovazione e la visione artistica contemporanea. Una delle relazioni più significative di Costanzo è quella con la Scuola Romana, da Schifano ad Angeli, passando per Tano Festa, Mambor ad arrivare al più grande sostenitore di PescarArt , Enrico Manera, un’importante tradizione artistica che ha dato vita a numerosi artisti di fama internazionale. Attraverso workshop, conferenze e mostre congiunte, Costanzo offre una piattaforma per la creazione di nuovi linguaggi artistici e per la fusione di idee che riflettono le esperienze contemporanee. Queste interazioni non solo arricchiscono l’offerta culturale di PescarArt, ma servono anche a costruire un ponte tra generazioni diverse di artisti e studiosi. Inoltre, la collaborazione con artisti e figure illustri nel panorama artistico ha permesso a Costanzo di raccogliere nuove prospettive sulle tendenze emergenti. Ogni progetto condiviso apre a un dialogo che va oltre le mere esposizioni, incoraggiando l’esplorazione di temi sociali, culturali e ambientali attraverso l’arte. Questo approccio non solo stimola la creatività, ma anche la riflessione critica su questioni importanti di oggi. In questo contesto, le sinergie e le collaborazioni rappresentano il motore fondamentale per l’evoluzione di PescarArt e per la promozione di nuove esperienze culturali. La visione di Giancarlo Costanzo, fondata su relazioni professionali solide e su un reciproco rispetto tra artisti e istituzioni, è destinata a lasciare un’impronta duratura nel panorama artistico contemporaneo. Riflessioni e Presenze Illustri al Premio PescarArt Il Premio PescarArt ha visto la partecipazione di personalità di spicco nel panorama dell’arte contemporanea, contribuendo così a un dialogo profondo sulle tendenze attuali e le direzioni future della creatività. Tra queste presenze illustri, spicca G. R. Manzoni, la cui visione artistica ha reso il Premio non solo un riconoscimento, ma un vero e proprio laboratorio di idee. Manzoni, noto per le sue riflessioni critiche sull’arte, ha sottolineato l’importanza di eventi come il PescarArt nel promuovere un’interazione significativa tra artisti, critici e pubblico. Durante il suo intervento, Manzoni ha esaminato i cambiamenti nel modo di percepire l’arte contemporanea, evidenziando l’urgenza di affrontare le sfide del nostro tempo attraverso l’espressione artistica. Le sue considerazioni non solo illuminano il valore della creatività nel contesto moderna, ma anche il sociale e il culturale, rendendo evidente come le opere d’arte possano fungere da catalizzatori per discussioni più ampie sulle questioni contemporanee. Questo tipo di riflessione è fondamentale, poiché offre un’opportunità di networking e di scambio di idee tra artisti emergenti e figure affermate nel settore. La presenza di tali figure riconosciute porta una dimensione di prestigio al Premio PescarArt, arricchendo